Dall’archivio. Pubblicato su diatribe.info il 25 novembre 2013, nella prima serie della testata. Il testo è riproposto senza modifiche a partire dalla copia dell’Internet Archive; alcune immagini e alcuni contenuti incorporati dell’epoca non sono sopravvissuti. Vedi la pagina originale.
I testi del ciclo di conferenze “Corrispondenze estetiche” che si tengono allo Spazio vivo Heart.
Umanesimo e Rinascimento: il mito dell’artista
di Alessandra Galbusera
Dopo aver analizzato il sorgere delle prime teorie estetiche e aver compreso come alcune di esse, in particolar modo le teorie platoniche e le teorie neoplatoniche, abbiano avuto una rilevanza fondamentale per il Medioevo e la rappresentazione artistica di quest’epoca, serve ora chiarire il modo in cui l’arte, ma sopratutto il ruolo dell’artista, si stia trasformando ed evolvendo.
Se durante il Medioevo il ruolo dell’artista è stato in qualche modo nobilitato, all’artista spetta infatti il nobile compito di rendere visibile l’Assoluto, di rendere rappresentabile il Divino, questo compito pur decisamente dignitoso nasconde una seria limitazione. All’artista medievale spetta la sola possibilità di riprodurre Dio e la sua perfezione, ma nulla di più.
È quindi necessario aspettare l’avvento dell’Umanesimo e del Rinascimento per poter parlare di creazione libera e sapiente dell’artista.
A partire dai primi anni del Quattrocento lo status sociale dell’artista era del tutto rispettabile, ma il suo ruolo non si distaccava ancora dall’idea di lavoro manuale, di lavoro artigianale. Tuttavia, è proprio in questi anni in cui si fa largo l’idea che un artista possa essere anche un intellettuale e non solo un artigiano. L’artista vuole ora riconoscere alla proprio abilità manuale un’abilità di tipo intellettivo. Dietro la possibilità di creare un oggetto artistico si cela, infatti, una conoscenza profonda di regole scientifiche, matematiche, naturalistiche e ora l’artista inizia ad esserne pienamente conscio.
Primo fra tutti a sostenere quest’idea e a sollecitare gli artisti a diventare dei veri e propri intellettuali fu Leon Battista Alberti. L’artista deve diventare intellettuale preparato e colto in tutte le arti, la sua opera deve essere valorizzata da un’adeguata committenza. «Non ti impacciare [ammonisce l’Alberti] se non con persone splendide, e con i Principi delle Cittadi, cupidissimi di queste cose» (De re aedificatoria, 1452). Ed è lo stesso Leon Battista Alberti ad incarnare questo nuovo ideale. Egli sceglieva con cura le proprie commissioni e la sua attività spaziava dalla pittura all’architettura, dalla riflessione filosofica al calcolo ingegneristico.
Un altro artista dell’epoca che incarna sicuramente la figura dell’huomo buono et docto è Piero della Francesca. Famoso per l’uso della prospettiva nell’opera d’arte pittorica, Piero della Francesca è in grado di donare equilibrio fra la conoscenza scientifica e la conoscenza estetica. Con le sue opere propone, infatti, un tipo di arte che si fonda sul preciso calcolo geometrico e sul bilanciamento cromatico. In breve, la sua arte mette in scena una pittura statica in cui tutti gli elementi sono perfettamente in armonia perché prima conosciuti e da lui misurati.
Quello che, in altre parole, Piero della Francesca ci mostra è la concinnitas tanto teorizzata da Alberti. Ovvero, quella particolare attenzione alla forma e all’ordine che l’artista deve avere per donare equilibrio agli elementi rappresentati secondo regole estetiche e matematiche ben precise.
Con il proseguire degli anni e con l’evolversi della cultura rinascimentale, l’ideale di un artista intellettuale si afferma a gran voce. Arrivando quindi al periodo maturo del Rinascimento, che corrisponde inoltre al suo massimo splendore e che viene definito da Vasari come la Grande Maniera, la Maniera Moderna, gli artisti giungono a stabilire nuovi canoni di perfezione estetica e a superare definitivamente la grandezza degli antichi.
Questi sono gli anni in cui operano Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti e Raffaello Sanzio. Artisti che insieme permettono di ridefinire il ruolo dell’arte e donare un nuovo corso alla filosofia estetica.
Soffermandoci ora solo sulla figura di Leonardo notiamo immediatamente come il suo stile si distinse sin da subito e come fu determinante per la tradizione artistica ed estetica dei secoli successivi.
Leonardo inizia la sua attività di pittore a Firenze presso la bottega del Verrocchio e la prima opera che gli venne commissionata è L’adorazione dei magi. Già dal 1471 è evidente quindi la necessità leonardesca di voler superare i vecchi canoni attraverso una ricreazione estetica dell’opera. Osservando il dipinto si nota, infatti, come esso sia stato concepito come un intero organico: a partire dal bambino Gesù posto al centro, si sviluppa un movimento circolare-vorticoso che coinvolge tutti i corpi rappresentanti. Quel che Leonardo mostra con quest’opera è quindi un voler “sfruttare” la tematica religiosa (l’adorazione dei magi e il gesto eucaristico) per ripensare la rappresentazione estetica dello spazio stesso. In un equilibrio fra la rappresentazione della tematica e la rappresentazione artistica Leonardo comunica una volontà di rottura con lo stile passato, ma soprattutto un pensiero estetico profondo. È il caso dell’espressione degli affetti, quell’armonia estetica che deriva dall’accordo dei moti esteriori con i moti interiori.
Prendendo come esempio un’altra opera, e forse la più nota, L’ultima cena, si nota una consapevolezza profonda del rapporto fra corpo e spazio, fra realtà psicologica e realtà figurativa su cui si fonda proprio l’espressione degli affetti. A partite da un attento studio anatomico-scientifico, Leonardo mette in scena un vero e proprio “catalogo delle espressioni umane; osservando i volti della figure rappresentate si nota un susseguirsi di emozioni e stati d’animo perfettamente in equilibrio con le differenti movenze dei corpi. Emotività e movenze sono quindi legati fra loro e vanno a creare a loro volta un doppio movimento nell’opera poiché legate alla doppia tematica rappresentata: l’istituzione dell’Eucarestia e il tradimento di Giuda.
Inoltre, è il caso di ricordare come l’opera sia fondata su di un aneddoto particolare che determina il vero pensiero estetico di Leonardo; prima di dipingere l’Ultima cena, egli rimase giorni a fissare la parete bianca di Santa Maria delle Grazie scandalizzandone il Priore.
Il suo intelletto era teso ad un vedere immaginativo e proprio l’attenta osservazione della parete bianca poteva sollecitare la sua immaginazione a trasformarsi in resa pittorica, in oggetto visibile e materico.
Citando solo queste due opere di Leonardo è inevitabile quindi non notare come dietro al suo stile vi sia un’intenzionalità quasi filosofica. Per Leonardo arte e conoscenze sono legate in un rapporto indissolubile. Alla conoscenza della prospettiva matematica, dell’anatomia umana, dei fenomeni psicologi che ci mostrano la sua bravura artistica, va aggiunta la riflessione filosofico-estetica che l’opera comunica. Dall’osservazione della natura nasce infatti la vera riflessione sull’arte. Con Leonardo assistiamo quindi all’elogio del vedere, un elogio già conosciuto coi neoplatonici, ma che ora assume un nuovo significato.
Egli descrive una sorta di fenomenologia del visibile celebrando la vista per il suo componente fisico e materico. La vista è ora considerata la prima via di accesso per l’uomo di conoscere il mondo e le sue leggi; all’artista spetta quindi il compito di conoscere la realtà visibile e rendere l’opera d’arte l’occasione per rappresentarla.
In questo forse risiede la sua grandezza: Leonardo in quanto uomo di scienza ha saputo trasmettere la conoscenza del mondo attraverso l’arte e in quanto artista l’ha fatto realizzando opere d’arte di eccezionale bellezza.
Leonardo, in altre parole, incarna quell’ideale di artista intellettuale tanto ricercato dai rinascimentali e questo avviene grazie all’evoluzione dell’arte e alla riflessione su di essa. Il Rinascimento essendo caratterizzato da una rilettura del testo platonico e neoplatonico, basti pensare a Marsilio Ficino e all’istituzione di un’Accademia platonica a Firenze, che porterà Leonardo a interessarsene per donare una personale interpretazione, un’interpretazione dal gusto estetico-filosofico. In altre parole, l’artista con Leonardo e i suoi predecessori rinascimentali può finalmente aprire la sua arte al pensiero filosofico, può unire arte e scienza di fronte al contenuto filosofico del proprio pensiero.